Scarface fait partie de ces films boudés à sa sortie, mais qui ont obtenu un vrai succès au fil des années. Quand Brian de Palma présente le long-métrage, on lui reproche sa vulgarité et sa violence et il faut reconnaître que le nombre d’occurrences du mot « fuck » et de ses variantes est très élevé, tandis que l’hémoglobine coule effectivement à flot, notamment le temps d’une scène à la tronçonneuse qu’un bon film d’horreur n’aurait pas reniée. C’est indéniable, mais en même temps, ce n’est pas une critique qui a autant de poids aujourd’hui et ce serait oublier que Scarface vaut plus que la violence de son propos et de son image. Remake d’un film de gangster de 1932, ce long-métrage semble dans la droite ligne des classiques du genre, à commencer par la saga Le Parrain, mais avec une différence majeure : sa noirceur. Là où la plupart des histoires commencent par une ascension, Brian de Palma passe directement à la chute avec un personnage presque tragique. Sanglant et glaçant.

Le scénario écrit par Oliver Stone reprend celui de Howard Hawkes, mais transpose le contexte des années 1930 aux années 1980, de New York à Miami et du trafic d’alcool pendant la Prohibition au trafic de cocaïne. Des différences significatives, mais qui n’ont finalement pas tant d’importance qu’on pourrait le croire. Et pour cause, qu’importe le contexte, Scarface présente une histoire de mafieux très classique, à tel point que l’environnement ne rentre qu’assez peu en ligne de compte. Brian de Palma s’inspire d’un fait historique — l’ouverture des frontières entre Cuba et les États-Unis pendant quelques mois au début des années 1980, officiellement pour permettre aux opposants du régime communiste de trouver refuge chez le voisin — pour bâtir sa version. Parmi les prisonniers politique, Tony Montana tente sa chance sur le continent nord-américain après fait un petit peu de prison à Cuba pour de menus larcins. Arrivé à Miami, il se lie très rapidement à la mafia locale avec son ami, Manny Ribeira. Ensemble, ils tuent un ancien proche de Fidel Castro, ce qui leur ouvre les portes de Franck, un petit mafieux local. Mais le héros de Scarface est si ambitieux qu’il se voit déjà en roi de Miami, et même des États-Unis : la suite est connue, il prend le pouvoir en tuant son mentor et connaît le succès juste assez longtemps pour chuter. Cette structure très conventionnelle est toutefois l’originalité de cette relecture du mythe de la mafia américaine : on voit bien l’ascension de Tony, on a un bref aperçu de son apogée, mais la chute suit très rapidement. Le cinéaste prend son temps et son long-métrage dure près de trois heures, mais on a vraiment l’impression qu’il ne s’attarde pas du tout sur la face de réussite et se concentre surtout sur les galères du début et le final tragique. Plus que la violence, très visible il est vrai, c’est peut-être ça qui est le plus frappant dans cette relecture de la mafia.

Si Scarface ne se distingue pas vraiment des autres films de mafieux par l’intrigue, Brian de Palma impose une ambiance très différente, marquée par son époque. Difficile de ne pas deviner que ce long-métrage a été tourné dans les années 1980, il pourrait très bien incarner ces années-là avec son esthétique très marquée et un petit peu datée aujourd’hui. La photographie très contrastée, pleine de couleurs vives, est un élément essentiel : que ce soit dans les clubs éclairés aux néons roses, dans les intérieurs aux couleurs vives ou même dans les rues éclairées par un soleil couchant exagérément orangé, les plans ne sont jamais ternes. Et même si ce n’est pas l’éclairage qui apporte la teinte à une scène, on peut compter sur le sang ou bien encore sur la poudre immaculée de la cocaïne. Loin du classicisme parfois un petit peu terne de Francis Ford Coppola ou de Martin Scorsese, le réalisateur ose ici les couleurs les plus folles et marque son travail d’une ambiance très distincte et parfaitement adaptée au contexte. C’est kitsch, mais c’est à l’image de ces mafieux cubains qui rêvent d’argent et de filles facile, de grandes baraques et de bagnoles de luxe, bref qui rêvent de la caricature d’American Dream. La bande-originale, elle aussi totalement eighties, composée par Giorgio Moroder accompagne à la merveille ce délire coloré et même si l’ensemble va peut-être un petit peu trop loin par moments pour notre goût moderne, il faut aussi reconnaître que Scarface est une œuvre totalement cohérente. Au-delà de son esthétique, le film est aussi porté par ses acteurs et en premier lieu Al Pacino, qui retrouve encore une fois le rôle d’un mafieux, mais avec une interprétation très différente de celle qu’il avait déployé dans Le Parrain. Certes, son accent va parfois un petit peu trop chercher vers l’Italie plutôt que Cuba — à cet égard, Steven Bauer est beaucoup plus convaincant à ses côtés —, mais qu’importe. Son interprétation est excellente, des débuts comme petit malfrat cubain jusqu’au final, en grand baron de la drogue paranoïaque. Une excellente performance, qui justifie à elle seule de (re)voir le film.

Brian de Palma impose une ambiance originale, très marquée par son époque, c’est vrai, mais qui fait aussi la particularité de Scarface. Le film raconte une histoire assez banale et au fond, elle est presque accessoire, secondaire. En revanche, on retient la noirceur de ce portrait qui n’est pas celui d’une réussite, mais bel et bien d’un échec : dès le départ, le récit semble guidé vers la mort du personnage principal, seul dans cette immense maison trop décorée, trop gardée, mais surtout trop vide. Une forme de tragédie, transformée par une image souvent très colorée et portée par un acteur au sommet de sa forme. Scarface n’a pas atteint son statut de film culte pour rien, c’est une vraie réussite à ne pas rater pour les amateurs de mafia.